创造出一幅经典，需要多少张手稿？

各位真爱，这幅画，你一定太太太太熟悉了，不过，你们更喜欢下面哪一幅？

左：1503年；右：1516年

有人喜欢年轻版《蒙娜丽莎》：“皮肤细腻，表情温柔，下巴棱角分明，果然年轻就是美呀。”

有人不同意：“成熟才有风韵！成熟版的笑才有捉摸不定的感觉。”

2012年，一幅“年轻版”《蒙娜丽莎》突然出现，马上引发了各种争议。

其中很多围绕着年轻版和成熟版“谁更美”的问题。

年轻的”蒙娜丽莎“像是加了一层美颜滤镜，皮肤磨皮，美白，瘦脸，连笑都更明艳动人。 

年轻版的《蒙娜丽莎》已经很美了呀！达芬奇为什么还要再画一幅呢？ 

达芬奇显然是一个追求完美的男人，他觉得可以更好。

于是，他用了十二年时间，一点一点的重画、调整，他下笔的每一处，都经过了精密的设计和思考： 

背景氛围感增强；

两幅画的背景局部

微笑的角度调整；眼睛的角度调整.....

十二年，达芬奇不厌其烦地在一块画布上涂了40层超薄油彩，柔和的色彩，融合进模糊的轮廓中，总是给人留下想象的余地。 

最终，一层层油彩化作岁月的经历，在她的脸上，沉淀为一种神秘和沉稳的氛围。 

《蒙娜丽莎》成为这个世界上“最美丽的女人”。 

从达芬奇最初的手稿可以看出女孩到女人的蜕变。

从手稿到“年轻版”，再到举世闻名的“成熟版”蒙娜丽莎，达芬奇几次自我革新，在自己的作品基础上打磨。 

这样的作品，具备了一切成为经典的条件。 

科学画家达芬奇，为了达到人像画的极致，不知道经过了多少次精密的构图，他的速写和笔记本，现在保存下来的就有5000页。（相当于7本《新华字典》）

至于达芬奇到底画了多少幅《蒙娜丽莎》呢？

没有人知道。 

作为“世界上最完美的男人”，达芬奇的许多画都画了不止一幅，还有这幅《岩间圣母》。

左：1483-1490年； 右：1508年

左边这幅是达芬奇早期的作品，其实这幅已经很美了。

颜色上，左边的这幅圣母图，是《蒙娜丽莎》同款淡黄配色，这种颜色使得画看起来很神秘。

这个颜色是达芬奇的“水印”，看到这个颜色就知道作者是达芬奇。 

几年后画的圣母图调整了“亮度”，人物更突出，整体更加明亮和柔和。 

圣母头上多了一圈圣母光环，圣婴手势也有一些小小的变化。

前两年，英国国家美术馆的研究人员从《岩间圣母》中发现了一幅草图。圣母换了个方向看着圣婴，胳膊向外伸展着，整体位置也比较高。

《岩间圣母》现代发现的原画背后的草图

圣母手稿

把一件细小的事研究地无比透彻，在一个领域打上自己的烙印，这也许就是他精益求精，不断打磨一幅画的原因。

拉斐尔作为达芬奇的狂热粉丝，他也画圣母像，前有达芬奇的圣母像，那他要如何成为下一个经典？

首先，拉斐尔学习了达芬奇的构图法，《草地上的圣母》用了标准的金字塔构图，圣母像显得稳定又平衡。

接着他必须有自己的特点。 

拉斐尔花费了大量的时间和金钱，终于调和出了一种静谧的深蓝色，这种颜色赋予了圣母玛丽亚一种即偏向于理性，又包含感性的气质，让人觉得有安全感。 

这种颜色也叫做“圣母蓝”，是拉斐尔的独特烙印。他一度成为“圣母像”的代名词，在达芬奇之后，拉斐尔成为了下一个经典，把文艺复兴和人文主义推向了下一个顶峰。 

拉斐尔也在不断更新自己。 

一年之后再画的《带金莺的圣母》，做了多种形态的尝试。

圣母手上多了一本祈祷书，眼睛看着两个孩子，眼中流露出了爱意。同样的金字塔构图，圣母把脚收回来了，看起来坐的更舒适。 

为了画出最平和稳定的圣母画，拉斐尔一再研究和尝试，有扭过头来看的圣婴；有只有两个人的构图；也有三个人的构图。他在寻找几个人物之间最和谐的位置。

拉斐尔手稿

一位艺术家在如此极致地追求平衡，实在是一件引人入胜的事情。 

有人在追求极致的平衡，有人则在追求极致的杂乱。

梵高的作品翻滚、炽热、偏执、癫狂。

看似天才的涂涂画画，其实是梵高经过了很长时间自我训练的结果。

梵高两年前画的星空，是直线和安静的。

罗纳河上的星夜（1888）

他大量的练习素描，颠覆自己，跳出自己的框架，不断精进。

从他的素描练习中，可以发现他在有意的强化练习弯曲手法。

两年后，他画出了巅峰之作《星月夜》，星空在他的图纸上流动了起来。

星月夜 (1890)

梵高的星空从静止到流转，绝非神来之笔，而是经历了无数次这样的自我颠覆。

类似的素描一共有65幅，《星月夜》是他一笔一笔的自我磨练。这是一个有血有肉的艺术家。 

艺术家在每一次的手稿设计中，保持自己的特色的同时做着突破和创新。

不论是早已功成名就的达芬奇，还是有极高艺术造诣的拉斐尔、梵高，他们超越了自我的“蜕变”，不断突破自己的藩篱，不断创造下一个经典。